Le mille forme dell’Infinito da Gaugin a Picasso è la vertigine del vuoto
Nella pittura greca il mistero dell’infinito è un tuffo sospeso nel vuoto, tra cielo e terra; nelle icone e nei mosaici bizantini il senso di un al di là rispetto all’essere terreno, è dato dall’oro, da una luce e una preziosità che sottende tutte le cose. Quale forma, quale immagine dell’infinito possono invece suggerire gli artisti, i pittori o gli scultori più moderni, più contemporanei? A questa domanda intende rispondere l’esposizione “La forma dell’infinito” allestita nei rinnovati spazi di Casa Cavazzini, Museo d’arte moderna e contemporanea di Udine, curata da don Alessio Geretti e firmata dal Comitato di San Floriano.
Come ci ha abituato sin dalla prima mostra del 2004 dedicata proprio a San Floriano, fino all’ultima conclusasi lo scorso mese di ottobre intitolata “Cambiare”, nel piccolo paese di Illegio, tra i monti della Carnia, don Geretti anche nella mostra udinese propone autentici capolavori, di assoluti protagonisti della storia dell’arte, accanto a opere di autori meno noti ma per nulla meno interessanti. Grazie a prestiti ottenuti dal Belvedere di Vienna, dalla collezione Peggy Guggenheim di Venezia e dalla Fondazione Solomon R. Guggenheim di New York, dal Musée d’Orsay di Parigi, dalla Galleria Tretyakov di Mosca, dal Museu Picasso di Barcellona, oltre che dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, dal MART di Rovereto e da diverse collezioni private, sono state riunite una cinquantina di opere comprese tra un arco temporale che va dal 1870 al 1977, di autori quali Monet, Gauguin, Matisse, Redon, Nomellini, Boccioni, Dudreville, Kandinskij, Goncharova, Roerich, Picasso, per arrivare a Hartung e Vedova passando attraverso Guglielmo Ciardi, Giovanni Napoleone Pellis e molti altri.
Il dipinto che accoglie il visitatore è “Il viandante” di Ferdinand Brunner, pittore viennese vissuto tra Ottocento e Novecento che amava dipingere i paesaggi carinziani, della Boemia e dell’Ungheria. Solitamente i suoi dipinti sono pervasi da un senso di pace e serenità ma ne “Il viandante” si ha un’impressione diversa: come il “Monaco in riva al mare” dipinto un secolo prima da Caspar David Friedrich, la piccola figura dell’uomo che si incammina nella landa verde, sterminata, della pianura adombrata da nubi minacciose e magnifiche al tempo stesso, addensantesi nel cielo, è in grado di trasportare immediatamente chi guarda in una dimensione metafisica dove desiderio e timore si fondono in un unico sentimento.
Spronati dal suo cammino si viene così invitati ad attraversare le diverse sale e le varie sezioni della mostra non accontentandosi della pura immagine di superficie o della grande piacevolezza della pittura, bensì andando alla scoperta di qualcosa di ulteriore, come anche i versi di Eugenio Montale, proposti sempre all’inizio del percorso espositivo, suggeriscono: «…guarda: / sotto l’azzurro fitto / del cielo qualche uccello di mare se ne va; / né sosta mai: perché tutte le immagini portano scritto: / “più in là”!». Perché ogni artista che si è interrogato sul senso del mondo, sul senso dell’esistenza, ha sempre voluto andare “più in là”.
I vari paesaggi presenti nella prima sezione propongono il superamento del naturalismo attraverso l’impressionismo o il divisionismo fino a Picasso. E se Claude Monet sulla spiaggia di Trouville intende catturare l’attimo di un soffio di vento e il respiro del mare per renderli eterni nella sua pittura, Piotr Ivanovich Petrovichev trasmette l’incanto di una natura che ancora si rinnova con “Lo scioglimento dei ghiacci sul Volga presso Yaroslavl”. Picasso nelle due colombe bianche pare cogliere un momento di quiete e armonia universali quali può provare Guglielmo Ciardi dipingendo le “Vele in laguna” nella magia di un mare dai riflessi d’argento, mentre il paesaggio innevato di Giovanni Napoleone Pellis fa pensare alle Alpi di Segantini, alle sue vette sempre più prossime al cielo.
Tra i dipinti che esprimono la percezione del trascendente c’è la piccola tavola raffigurante “Mosè davanti al roveto ardente” di Ernst Fuchs che nella sua pittura fonde suggestioni medievali, Jugendstil e surrealismo con una precisione pittorica di ascendenza fiamminga. Poco distante l’unica scultura presente in mostra, l’“Ecce puer” di Medardo Rosso: la «vision de purité dans un monde banal».
Il dramma della finitezza viene emblematicamente evocato dalla tela che Paul Gauguin dedica a Vincent Van Gogh con i suoi girasoli cui si accompagna l’immagine della “Speranza” ripresa da Puvis de Chavannes.
L’infinito quale interrogativo spesso angosciante che l’uomo non può non rivolgere a se stesso, viene raccontato da autori diversi tra loro per formazione, contesto storico, geografico e culturale, ma del tutto simili nel sentire: da Sir Philip William Burne-Jones a Nikolay Yaroshenko, da Briton Rivière a František Kupka o Alexander Rothaug. E c’è anche Gianfranco Ferroni con “Io seduto nella stanza in penombra”: una stanza grigia, con dei mozziconi e un pacchetto di sigarette a terra, un filo elettrico sganciato dalla corrente, un senso di vuoto denso di significati e soprattutto fatto di attesa. Di fronte alle tempere su carta di Mikalojus Konstantinas Čiurlionis ci si ritrova proiettati in un mondo di fiaba popolato da creature angeliche, magicamente orchestrato da musiche e colori: un mondo di pura fantasia intriso di profonda spiritualità. Si giunge così alla pittura altrettanto spirituale, musicale, ricca di colori di Vasilij Kandinskij che in “Piazza Rossa” trasforma le luci del tramonto sui tetti di Mosca in un’esplosione «che fa vibrare tutto il nostro essere interiore con lo squillo di una tromba frenetica. Non è che l’accordo finale della sinfonia che ravviva intensamente ogni colore. Come il “forte” finale di un’immensa orchestra» scrive lo stesso artista che poi conclude: «Rendere quest’ora mi pareva la felicità più grande, più irraggiungibile che potesse toccare ad un artista».
L’indagine nel mondo dell’astrazione è affidata quindi allo spazialismo di Edmondo Bacci e alla “sfida al niente” di Hans Harung e di Emilio Vedova. L’ultima immagine della mostra, con il compito di congedo, è data dall’Icaro di Matisse che vola nel cielo con un cuore rosso vivo, che pulsa.