Javier Silva Meinel: “Si a una fotografía le pones color, queda solo una foto bonita”

En 2025, en el Museo de Arte Contemporáneo se presentó la muestra fotográfica La luna del cóndor. Con esta exposición, Javier Silva Meinel celebró 50 años de trayectoria fotográfica. Este año, otro acontecimiento llegó no solo para Silva, sino también para la fotografía peruana: en abril pasado, se inauguró la muestra Umbrales, Javier Silva Meinel. Una poética de la imagen, bajo la curaduría de Alejandro León Cannock, en la Maison de l’Amérique Latine, organizada por la Embajada de Perú en Francia, la Galería Younique y la citada institución.

La exposición Umbrales es parte de las actividades que se están llevando a cabo en el mundo en el marco de los 200 años de la fotografía. En principio estaba programada para que finalizara el pasado 25 de julio, pero ha sido tan buena la recepción que la muestra se extendió dos meses más. No sorprende. Javier Silva Meinel es, en la actualidad, uno de los mayores maestros de la fotografía en Latinoamérica y La República conversó con él.

 

-¿Qué lugar ocupa Umbrales en tu trayectoria?

-Es importante. Pero fue una sorpresa. La muestra nace a partir de la muestra que se vio en el MAC el año pasado. Mis galeristas en París, de Galería Younique, buscaron la oportunidad de exponer mi trabajo. La propuesta fue aceptada, y además como retrospectiva, lo cual la hacía más interesante. Es una muestra analógica. Hay cerca de 100 obras.

-¿A qué crees que se deba que Umbrales haya generado interés? Por algo se ha extendido.

-Creo que se debe a que mi trabajo es muy peruano. Puede ser visto en cualquier parte del planeta con mucho interés. He hecho exposiciones en muchos lados, pero no de esta magnitud. Umbrales es mi exposición más significativa.

-¿Qué te gusta del blanco y negro?

-En primer lugar, nací con el blanco y negro. Empecé a hacer laboratorio, a copiar en blanco y negro; y todos mis referentes hacían también blanco y negro. Simplemente, se convirtió en mi lenguaje. He hecho algunas cosas en color, pero no es mi lenguaje original.

-¿Qué te llama la atención, su sentido atemporal?

-Sí. No tengo nada en contra del color, pero siento que, si a una fotografía le pones color, queda solo una foto bonita. No siento que pueda tener la fuerza del blanco y negro. El blanco y negro es algo que ha crecido en mí. Llegas a conocer tanto el blanco y negro que no necesitas un fotómetro, tampoco un tiempo de revelado. Hacer color es un proceso diferente. Es largo y complicado. Ese proceso no va conmigo.

-¿Eres un artesano de la fotografía?

-Totalmente.

-¿Lo que te gusta es el proceso?

-El proceso es algo que me encanta. Sobre todo, cuando llega al negativo. Ahora, con las posibilidades que hay, puedo digitalizar mi negativo. Suelo pensar también mis temas, no me apuro cuando hago fotografía. El tiempo que pienso también es parte de mi creación. Previsualizo todo lo que voy a trabajar.

-Una de las características de tu obra es la representación. Para hacer que las personas sean parte de lo que quieres fotografiar, la interacción es clave.

-Como persona, soy muy querendón. Me gusta relacionarme con la gente. Cuando voy a los pueblos del interior, me gusta hablar con las personas, saber qué piensan, qué sienten. Me gusta viajar, salir, ir a sitios que no conoce nadie. Por eso soy admirador de Chambi y de toda la generación a la que pertenecía Chambi. Eran fotógrafos que viajaban por todo el Perú. De ahí sale el uso del telón, que ya es parte de mi trabajo.

-Parece una pregunta sencilla, pero en una época marcada por la rapidez y la tecnología: ¿qué es más importante: la máquina o la sensibilidad?

-En fotografía, el aparato no tiene nada que ver. Se puede hacer una buena foto con el celular o un pinhole, que es una caja de zapatos con un hueco. Lo que pasa es que ahora, como lo sofisticado y moderno llega a todos, se cree que se pueden hacer cosas fantásticas. Un fotógrafo tiene que aprender a mirar.

-¿Mirar es quietud?

-Así es. Aprender a mirar toma tiempo.

-¿Sí te consideras un maestro, no?

-Por edad y trayectoria, soy un maestro. Pero yo pertenezco a una generación en que hemos empezado todos más o menos a la vez. Por ejemplo, Billy Hare. Para mí es un gran fotógrafo y, además, un gran profesor de fotografía. Yo nunca he enseñado, no porque no quiera compartir, sino porque no lo he sabido hacer. Herman Schwarz y Fernando La Rosa también son grandes fotógrafos. La Rosa, por ejemplo, fue el gerente de Secuencia. Alrededor de Secuencia, muchos definimos lo que queríamos hacer en fotografía en los 70. Todos los de esa generación ahora son maestros.